"La balena della Groenlandia è uno dei più meravigliosi animali che esistano al mondo"

Ce ne stavamo nella resede della Galleria B4 di Bologna, dove si trova un gazebo vagamente in stile Art Nouveau, decorato da tre strisce di plastica trasparenti, (la plasticaccia che diventa sporca dopo poco e non si pulisce, diceva Luigi più tardi), dipinte con simboli e segni blu, rosso e nero e con Blanco, Falciani e altri amici si diceva:

“Non è una mostra semplice, non è immediatamente leggibile”

“Si sente che c’è un pensiero dietro!”

“Son le mostre che hanno più successo, molto meglio che mettere davanti allo spettatore un po’ di quadri in fila, facili facili, qui invece ci si deve sforzare.”

“Lo spettatore deve fare congetture, collegamenti, associazioni e in questo modo si sente intelligente. ”

Poiché più che critico d’arte, mi sento spettatore, anch’io ho fatto le mie congetture, collegamenti e associazioni di idee, aiutato dai commenti degli altri, dai discorsi colti con l’orecchio sinistro mentre guardavo a destra. Regola d’oro: non chiedere mai all’artista, perché 1) si potrebbe risentire, 2) se fai una domanda stupida, fai una figuraccia.

Evoluzione capitale dei sogni di Giovanni Blanco e Francesco Falciani si presta a tutto questo. La chiave di lettura è esplicita e dichiarata dai tre ritratti che si trovano nella prima sala: quello di Darwin (Charles), di  Marx (Karl) e Freud (Sigmund). Il titolo della mostra corrisponde ai rispettivi titoli dei tre libri fondamentali di questi ingombranti personaggi che hanno segnato il pensiero dei due secoli scorsi. In questa mostra non si tratta né di celebrarli, né di distruggerli, ma come dice Carlo Falciani nella presentazione della mostra: “riconoscendo il valore fondativo di questi tre pensieri e rintracciando la loro presenza nello scheletro del nostro presente, abbiamo avviato una riflessione poetica non sul valore iconico di tali strutture sistematiche, né sulla loro attualizzazione, preferendo invece seguire le indicazioni riguardo la produzione di opere figurative.”

Detto questo, basta lasciarsi prendere dal gioco, seguire le associazioni più o meno automatiche, le intuizioni argute o fortuite e sentirsi intelligenti. In un allestimento più da quadreria che da galleria, fotografie e dipinti si alternano alle pareti, a volte rendendosi quasi indistinguibili come in Corsica e Galapagos o nei quadretti da collezione entomologica e botanica che rappresentano insetti e aracnidi o il cactus fiorito. Freud con il volto deformato dal bianco, o forse dalle sue stesse terapie, se ne sta in alto, piccolino su una parete e guarda in basso, di traverso, chi sta osservando il mare delle Galapagos: inquietante come un dio, sempre lì pronto a puntare il dito o il suo sigaro verso le ubique pulsioni sessuali degli spettatori. Marx e Darwin sono sulla parete opposta, indecisi se scomparire negli sfondi neroveneziano/tardo rinascimentale (ma anche umidissima Bologna by night) e ferro consunto/arrugginito dalle intemperie, o tornare e cercare di regnare combattendo contro gli dèi del presente. Ci sono anche due quadretti, una conchiglia e una poltrona, e lì per lì, nella furia di comprendere ho contravvenuto alla regola d’oro: ho chiesto a Blanco che ci facesse una conchiglia e il risultato è stata una risposta di tipo 2) a domanda stupida corrisponde figuraccia! (ma non si è risentito, non sembra il tipo).

Manifesto del Partito Comunista - Dettaglio

Nel passaggio dalla prima stanza alla seconda si trova un intervento a china su quattro fotografie in bianco e nero: il Manifesto del Partito Comunista riscritto, senza alcuna retorica militanza, sulle foglie delle piante del giardino di Falciani. Di fronte altri due interventi pittorici su foto; accanto strutture architettoniche vuote (i loculi di un cimitero), edifici iniziati e non finiti o mai usati, gli stessi che si ripetono nei sei lavori fatti a quattro mani, dove si incrociano le voci postume di Marx, Darwin e Freud, intitolati Registri: dipinti di Blanco e fotografie di Falciani, associati in modo “quasi automatico” a citazioni dei tre personaggi in questione (“Non avete idea di come sia difficile estrapolare una citazione da Marx”).

Infine siamo di nuovo nella resede, al gazebo quasi Art déco, ma riplastificato. Violatori imperterriti della regola d’oro si radunano a fumare, bere e domandare, e gli artisti, oltremodo pazienti, rispondono:

“Perché non Jung? Perché Freud viene prima. Non è una scelta di merito.”

“La poltrona? È quella su cui si siede il paziente, no?”

“La conchiglia, eravamo indecisi se metterla, ma fa parte del mondo di Darwin, è un soprammobile, potrebbe stare nello studio di uno di loro.”

“No, non c’è alcun intento storico. È un modo per provare a leggere il caotico presente.”

“Ma lo sai che questa, prima di diventare galleria d’arte, era lo studio di Giorgio Celli?”

Sarà un caso? Non sembrerebbe proprio.

Immagini dell’inaugurazione della mostra sono visibili sul nostro profilo Facebook.

La mostra resta aperta fino all’8 marzo 2012 ed è visitabile dal martedì al sabato, dalle 17 alle 20.
Galleria B4, Via Vinazzetti 4/b (zona universitaria)
Info: Federica Rotelli 328-5936214.
federicarotelli@libero.it

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Giorgio Vasari

All’interno delle celebrazioni per il 5° centenario della nascita dell’aretino Giorgio Vasari, dal 22 al 30 ottobre 2011 si è tenuta la mostra 500 Oggi. Le vite dell’arte in contemporanea, nella residenza fiorentina dell’omonimo in Borgo Santa Croce 8.

Le mura medievali si sono aperte agli interventi di artisti internazionali e nazionali, affermati od emergenti, in un evento che ci ha dato la possibilità di entrare in quella che fu dimora dell’eclettico personaggio dal 1557, anno in cui Cosimo I glielo fittò, per poi darglielo in dono.

Le opere in mostra traggono ispirazione dalla poliedricità di colui che fu pittore, scenografo, storico dell’arte e architetto per la famiglia medicea. Al primo piano, salendo una rampa di scale angusta, che tuttavia aiuta a calarci in una dimensione al limite tra la realtà e l’onirismo, troviamo subito l’opera di Marta Luppi che, attraverso una griglia di corde, seziona lo spazio per le sue Vite s-conosciute, in cui ha disposto elenchi telefonici e carte su cui è intervenuta, aiutando così l’impressione dell’opera nella memoria retinica; poi veniamo invitati ad affacciarci su V_archi, di Fabio Chiantini, che mutua dall’illusionismo prospettico e dagli scorci offerti da Casa Vasari; procedendo incontriamo l’intervento di Avio Musetti, Viste oltre il muro, videoinstallazione con la quale dialogano elementi antitetici, ispirandosi al tardo manierismo ed al suo illusionismo. La fine di questa parte del percorso è sancita da Quadreria, di Stefano Castrucci & Piero Mazzoni, disponendo in maniera casuale le loro opere sulle quattro pareti della stanza vuota, illuminate da una piccola fonte luminosa posta in un angolo e da una giovane donna, che grazie ad un candelabro ci accompagna nella visione delle opere e ci porta fantasticamente indietro nel tempo.

Nella seconda ala della dimora ci viene permesso di visitare la “Sala Grande”, affrescata dallo stesso Vasari e restaurata negli ultimi anni, dove vediamo rappresentate: l’Origine dell’Arte, Zeusi e le Belle Vergini, Apelle ed il Ciabattino, le Allegorie delle Arti ed i ritratti di 13 dei 159 artisti trattati nelle sue “Vite”.

Sullo stesso piano, a guisa di vestibolo, troviamo l’opera di Paolo Lauri, Di là, ispirata alla storia di Zeusi narrata da Plinio e come il pittore greco ci propone una sua “selezione” della bellezza femminile, attraverso stampe fotografiche in scala 1:1.

L’ultima rampa di scale non fa che aumentare il climax verso il main event dei contemporanei. Attraverso le installazioni Days of Florence di Charles Loverme, Disgregazione di Melania Lanzini e Effimeri Parati di Federica Gonnelli la visione risulterà piena, quando ci si concederà la contemplazione della coinvolgente videoinstallazione Acceptance (2006) di Bill Viola, della serie Transfiguration: il video, interamente girato in bianco e nero, risulta di un lirismo ed una tensione vitale disarmanti nella sua rigorosa semplicità.

Nell’antica casa fiorentina di Vasari è stato possibile constatare de visu quanto ancora questo artista, che ha lasciato un’impronta indelebile nella storia dell’arte moderna, sia ancora fonte di ispirazione fertile per l’arte contemporanea.

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Ciò che veste a nuovo quest’importante fiera è lo spazio, che ormai da due anni viene dedicato alle realtà indipendenti del panorama nostrano, radunate sotto l’egida di Cristiano Seganfreddo, già direttore di Fuoribiennale e presidente dell’associazione “Progetto Marzotto”. Independents2 si dipana al centro dei padiglioni 6 e 7, quasi a simboleggiare la spina dorsale del panorama artistico odierno, il fulcro vitale, la linfa a cui attingere per l’arte che verrà. O così dovrebbe, visto la ricchezza di progetti e di carica innovativa che presentano queste 27 realtà autonome, tanto eterogenee tra loro, quanto accomunate dalla volontà di mettere e mettersi in discussione, sperimentare, RISCHIARE. Parola perniciosa quest‘ultima, che implica il dover fare i conti con la percentuale sia di successo, che di fallimento; ma che apre nuove porte sul modo di “fare” e “trasmettere” arte. E, soprattutto, la voglia di condividere il proprio percorso creativo, coinvolgendo e raccontandosi: attività indispensabile per quello che è considerato il canale “alternativo”, di nicchia, “underground” dell’arte contemporanea. Come l’esperienza di “Associazione E” (Venezia), fondata da due giovanissimi curatori, che raccontano la loro attività attraverso la lettura di foto coperte delle loro mostre, che lasciano “scoprire” al visitatore, interpretandole ironizzando sulla figura tanto in voga del cartomante. “eve ar:v.” (Eventi Arte Venezia), un gruppo di sperimentazione che cerca sia di fornire uno spazio libero (Forte Marghera), in cui ogni anno tre artisti, selezionati attraverso un bando, possono condurre un proprio percorso di ricerca, sia favorire un interscambio con le altre realtà autonome. “Interzona”, che opera da quasi vent’anni negli spazi dei Magazzini Generali di Verona, frutto del lavoro di volontari che hanno dovuto sempre fare i conti con fondi inesistenti, uno sfratto, tante difficoltà, ma che son riusciti a catalizzare artisti del calibro di Blixa Bargeld, Massive Attack, Motus, Mike Patton e tanti altri. “Connecting Cultures”, realtà milanese no-profit che indice workshop e seminari per giovani artisti, affiancati da prestigiosi nomi internazionali negli ambiti più vari, con un occhio attento anche agli stranieri presenti sul territorio nazionale. “INFART”, collettivo di Bassano del Grappa (Vicenza), da anni faro di chi ama e segue la street art & culture, appena reduci dalle fatiche che hanno prodotto “Vulpes Pilum Mutare” (2-10 Settembre) a cui hanno partecipato consolidati artisti del panorama alternativo (Saturno Buttò, Dast, Simone El Rana, Laurina Paperina o Diego Knore, per fare qualche esempio).

Come loro, tanti altri ancora, gli outsider, che a mio avviso, hanno fatto da padroni in una fiera di espositori di alto calibro, andando oltre la crisi del mercato, dello sboom dell’arte contemporanea, delle vene artistiche inaridite e dei classici “garantiti“. E dall’ “oltre” ci aspettano.

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Il Matto - Minchiate fiorentine

La nascita dei tarocchi viene storicamente collocata sul finire del Medioevo, quando sbarcò in Italia il gioco delle carte, nato secoli addietro in Cina, adottato poi dagli arabi che lo portarono, grazie ai saraceni, nel nostro Paese. La canonizzazione del mazzo avvenne nella prima metà del Quattrocento, tra la corte dei Visconti e quella degli Este. I Trionfi (questo il nome originale) nacquero come passatempo ludico per le corti, ma presto si trasformarono in gioco popolare. Ogni signoria ebbe poi la propria declinazione di tale svago, personalizzandone i semi, o le figure degli Arcani maggiori. Particolare fu la variante fiorentina, che prese il nome di “Minchiate” e presentava 41 Trionfi (invece che 22), con l’aggiunta dei segni zodiacali, delle tre virtù teologali, dei quattro elementi e della Prudenza. Il nome “Minchiate” si pensa debba derivare dal verbo “sminchiare” che in ambito bolognese significa rilanciare, ma può indicare che si tratta di un gioco e pertanto non va preso sul serio.

Soltanto più tardi i tarocchi diverranno mezzi di pratica divinatoria. Gli esoteristi fanno risalire la genesi di queste carte addirittura all’antico Egitto, quando secondo loro i faraoni le avrebbero utilizzate per predire il futuro: tale tesi, però, non trova riscontri storiografici precisi. Sappiamo certamente che gli occultisti le utilizzavano largamente nel XVIII secolo (anche se alcuni storici sono inclini a riconoscere l’inizio di tale pratica già nel XVI sec.); l’uso divinatorio dei tarocchi continuerà fino ai giorni nostri, tanto da soppiantare quello originario del gioco.

Il Matto di Francesco Clemente

Favorevoli o contrari dobbiamo comunque ammettere che i tarocchi esercitano un enorme fascino. Fascino che sicuramente ritroviamo anche nella mostra I Tarocchi da poco inaugurata nel Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi, con opere di Francesco Clemente (Napoli 1952), pittore della Transavanguardia italiana noto anche per le sue collaborazioni con Jean-Michel Basquiat e Andy Warhol. L’artista, confrontandosi con le settantotto carte ed interpretandole in chiave strettamente privata, sembra recuperare soprattutto l’aspetto ludico primigenio: il gioco si manifesta nella varietà delle tecniche pittoriche, che spaziano dall’acquarello al pastello, ma soprattutto nel ritratto di amici e parenti, che appaiono tra gli Arcani maggiori e minori, nonché in due autoritratti in guisa di Matto e di Asso di Spade. Dello stesso artista, è esposto, nell’adiacente Sala del Camino, un ciclo pittorico che mostra lo stretto dialogo con le tematiche cristologiche: dodici tele che lo rappresentano nelle vesti degli apostoli. Sacro e profano dialogano come per osmosi tra le due sale.

Una mostra dove si respira la sintesi degli ultimi due anni di viaggi e produzione dell’artista, diviso tra America, India ed Italia; forte delle sue radici napoletane, ma portato per vocazione all’essere cittadino del mondo. Visitabile fino al 6 novembre 2011 solo se in possesso del biglietto per la Galleria degli Uffizi: un intermezzo contemporaneo tra i grandi classici dell’arte dal ‘200 al ‘700.

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L’italiano con la storia dell’arte e 5 famose Madonne fiorentine.

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Venerdì 29 aprile 2011
ore 17 Sala Luca Giordano
Palazzo Medici Riccardi, Via Cavour 1, Firenze
Presentazione di ARTifariti

ARTIfariti è un incontro internazionale di arte che si svolge a Tifariti nel territorio liberato del Sahara Occidentale promosso e organizzato da Asociación de Amistad con el Pueblo Saharaui de Sevilla.
ARTifariti è un appuntamento con le pratiche artistiche come uno strumento per rivendicare i diritti umani, il diritto degli individui e dei popoli alla loro terra, alla loro cultura, alle loro radici e alla loro libertà.
È’ un incontro annuale di arte pubblica per riflettere sulla creazione, le pratiche artistiche e sulla società, un punto di riferimento per artisti convinti sulla capacità dell’arte di sfidare e di trasformare la realtà. Cercare la fusione tra artisti e cittadini per creare nuovi modelli di relazione e di costruzione di un tessuto sociale multi-culturale, per sostenere lo scambio di
esperienze tra artisti locali e di altre parti del mondo, contribuire alla diffusione della cultura e della realtà Saharawi e incoraggiare lo sviluppo delle persone attraverso il loro patrimonio culturale.

In collaborazione con ARTifariti è stata creata la linea di moda Sahara Libre Wear proposta da ¡A Pintarropa! del creativo Alonso Gil e dal laboratorio di donne Entretelas di Angustias García e Esther Regueira. Un progetto patrocinato dall’Asociación de Amistad con el Pueblo Saharaui de Sevilla per produrre vestiario e accessori fatti a mano da giovani saharawi che vivono nei campi profughi di Tindouf.

Intervengono:

• Fernando Pereira Presidente Asociación de Amistad con el Pueblo Saharaui de Sevilla;
• Federico Guzman Artista promotore di ARTifariti;
• Alonso Gil Creatore della linea di moda Sahara Libre Wear

Nell’occasione sarà presentato in anteprima il progetto “Scenari nel Deserto” per la creazione di una Scuola Statale di Teatro nei Campi di Rifugiati Saharawi (Algeria) promosso dall’Associazione culturale IXNOUS di Livorno e dalla Provincia di Firenze.

Intervengono:

• Kassim Bayatly Regista e scrittore – Teatro dell’Arcano di Firenze;
• Alessandra Carlesi Attrice – Assoc. Ixnous di Livorno

Per info: www.artifariti.org – artifariti.blogspot.com – www.saharalibrewear.blogspot.com
www.ixnousassociazione.wordpress.com – www.ixnous.org
www.provincia.fi.it – margherita.mellini@provincia.fi.it – 055.2760152

FRANCESCO CARONE
Horror vacui
por Lorenzo Giusti y Arabella Natalini

Artista entre los más interesantes en el panorama del arte italiano actual, Francesco Carone reflexiona sobre temas de la transformación y de la circularidad de los procesos creativos. Su busqueda parte de una relectura personal del universo que lo rodea (universo compuesto, hecho de objetos, signos y enfermedades), a través de la cual el artista realiza obras que se coagulan alrededor de un tema o a un pensamiento dominante – generalmente ligado a la historia y a la práctica del arte – y donde el aspecto evocativo resulta substancial.

SIMON ROBERTS
Motherland/Homeland
por Daria Filardo

Entre el 2004-2005 Roberts realiza un largo viaje en la Rusia contemporanea. La serie Motherland, con más de 200 lugares documentados, llena el espacio en la geografía humana y territorial rusa presentando un retrato intenso que vamás allá de la estereotipada representación de la Unión Soviética post-colapso. A través de una observación atenta, vuelve a contar las profundas diferencias del territorio ruso, la busqueda descubre un fuerte sentido de enlace con la historia común. La identidad, la memoria, el reconocimiento del lugar de origen son temas que mueven también el proyecto We English, realizado en Inglaterra en el 2007-2008.

Inauguración sábado 9 de octubre 2010, 18.30 hrs, en ocasión de la VI edición del Día del Contemporaneo promovida por AMACI Associazione Musei d’Arte Contemporanea Italiani.

Collective Views/Collecting Photographs
Lleva tu foto y pégala en el muro!

En ocasión de su muestra personal Motherland/ Homeland en los espacios del Centro para el arte contemporanea EX3, Simon Roberts propone la realización de un trabajo colectivo, una mirada de la ciudad de Florencia hecho desde múltiples puntos de vista.
La realización del trabajo es coherente con el tipo de investigación de Simon Roberts, fundada sobre la construcción de identidad y sobre el sentido de pertenencia al territorio contado a través de una sutil negociación con sus habitantes.
Un muro en el Foyer del Centro juntará las fotografías que los visitantes llevarán el día de la inauguración y durante toda la duración de la muestra.
Cada uno de nosotros está invitado a pegar en el muro su propia “visión” de la ciudad, poniendo a disposición del público su propia mirada.
El multiplicarse de las imágenes hará que el muro se llene progresivamente.
Las  imágenes costruirán un archivo visivo abierto, consultable, heterogeneo.
La acumulación de  los puntos de vista creará una representación colectiva, íntima, social, irónica, arquitectónica, reportagística…
N.B. Las fotografías puedentener cualquier formato. El material no se regresará.

El evento expositivo constituye la primera muestra enteramente dedicada a la obra pictórica de Agnolo di Cosimo Tori, il Bronzino (1503-1572). Pintor entre los más importantes del Quinientos, el Bronzino encarna la plenitud de la ‘manera moderna’ en los años del gobierno de Cosimo I de’ Medici. Florencia es obviamente lugar privilegiado para una muestra monográfica sobre el artista, ya que sobre todo en Los Oficios, pero también en otros museos citadinos y en las iglesias, se conserva la mayor parte de sus pinturas. Con estos, se reunirán obras maestras prestados de los museos más importantes del mundo, como L’Allegoria di Venere del Szépművészeti Múzeum de Budapest, Il ritratto di giovane con libro del Metropolitan de New York  y La Sacra Famiglia con san Giovannino en la versión del Louvre de Parigi y del Kunsthistorisches Museum de Vienna.
Se anuncia por lo tanto un evento único y espectacular que, recibiendo una selección de obras solo de alto nivel del Bronzino y de los artistas a él cercanos – como el Pontormo y Alessandro Allori -, permitirá admirar obras maestras nunca antes expuestos y es entendible, a través de confrontaciones directas por primera vez posibles, los inalcanzables vértices poéticos alcanzados por el artista.
La exposición se dividirá en capitulos dedicados cada uno a una fase, a un episodio, o a un genero importante de la obra del Bronzino.
La idea del proyecto es de Cristina Acidini, capataz del Polo Museale fiorentino, Carlo Falciani, uno de los mayores expertos del artista, y de Antonio Natali, Director de la Galería de los Oficios. La muestra y el catalogo realizados por Carlo Falciani y Antonio Natali.

Promovida y Organizada por: Ente Cassa di Risparmio di Firenze, Fondazione Palazzo Strozzi, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Soprintendenza PSAE y por el Polo Museale della ciudad de Florencia.

Informaciones y reservaciones en Palazzo Strozzi. Horarios: todos los días 9,00-20,00, Jueves 9,00-23,00

L’evento espositivo costituisce la prima mostra interamente dedicata all’opera pittorica di Agnolo di Cosimo Tori, detto il Bronzino (1503-1572). Pittore fra i più importanti del Cinquecento, il Bronzino incarna la pienezza della ‘maniera moderna’ negli anni del governo di Cosimo I de’ Medici. Firenze è ovviamente luogo privilegiato per una mostra monografica sull’artista, giacché soprattutto agli Uffizi, ma anche negli altri musei cittadini e nelle chiese, è conservata la maggior parte dei suoi dipinti. Accanto a questi, verranno riuniti capolavori concessi in prestito dai più importanti musei del mondo, quali L’Allegoria di Venere del Szépművészeti Múzeum di Budapest, Il ritratto di giovane con libro del Metropolitan di New York  e La Sacra Famiglia con san Giovannino nelle versioni del Louvre di Parigi e del Kunsthistorisches Museum di Vienna.
Si annuncia pertanto un evento unico quanto spettacolare che, accogliendo una scelta di opere solo di altissimo livello del Bronzino e degli  artisti a lui legati – come il Pontormo e Alessandro Allori -, permetterà di ammirare capolavori mai esposti e di comprendere, attraverso confronti diretti per la prima volta possibili, gli inarrivabili vertici poetici raggiunti dall’artista.
L’esposizione sarà divisa in capitoli dedicati ciascuno a una fase, a un episodio, o a un genere importante dell’opera del Bronzino.
L’ideazione del progetto è di Cristina Acidini, Soprintendente del Polo Museale fiorentino, Carlo Falciani, fra i maggiori esperti dell’artista, e di Antonio Natali, Direttore della Galleria degli Uffizi. La curatela della mostra e del catalogo sono di Carlo Falciani e Antonio Natali.

Promossa e Organizzata da: Ente Cassa di Risparmio di Firenze, Fondazione Palazzo Strozzi, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Soprintendenza PSAE e per il Polo Museale della città di Firenze.

Informazioni e prenotazioni sul sito di Palazzo Strozzi. Orari: tutti i giorni 9,00-20,00, Giovedì 9,00-23,00.