Adgblog » Storia dell’arte/History of Art

XIV Settimana della Cultura 2012 in Toscana e a Firenze e provincia

adg — Fri, 06 Apr 2012 06:21:24 +0000

Come ogni anno, anche per il 2012, il MiBAC (Ministero per i Beni e le Attività Culturali) per promuovere e valorizzare il Patrimonio culturale italiano apre gratuitamente le porte di musei, ville, monumenti, aree archeologiche, archivi e biblioteche statali, per nove giorni, dal 14 al 22 aprile su tutto il territorio nazionale, offrendo un ricco calendario di appuntamenti: mostre, convegni, aperture straordinarie, laboratori didattici, visite guidate e concerti, che renderanno ancora più speciale l’esperienza di tutti i visitatori.

Lo scopo fondamentale di questa iniziativa è quello di trasmettere l’amore per l’arte e favorire nuove esperienze culturali attraverso la conoscenza dell’immenso patrimonio italiano, grazie anche al coinvolgimento di altre Istituzioni pubbliche e private, per una partecipazione estesa e capillare su tutto il territorio.

La brochure in PDF delle iniziative in Toscana si scarica qui.

Per gli eventi di Firenze e dintorni potete visitare il sito della Soprintendenza per i Beni Architettonici, Paesaggistici, Storici, Artistici ed Etnoantropologici per le province di Firenze.

XX giornata FAI di primavera

adg — Fri, 23 Mar 2012 06:16:00 +0000

Anche quest’anno, ed è la XX edizione, il FAI, Fondo Ambiente Italiano, celebra l’arrivo della primavera con aperture e visite guidate straordinarie di alcuni tra i più interessanti siti artistici italiani. Saranno ben 670 i luoghi che si potranno ammirare nelle giornate di sabato 24 e domenica 25 marzo prossimi, molti dei quali normalmente non accessibili o fruibili dal pubblico. I visitatori saranno accompagnati da guide volontarie preparatissime e motivate: a Firenze saranno storici dell’arte e dagli studenti liceali apprendisti ciceroni®.
A proposito di Firenze, questi sono i luoghi in cui si potrà entrare in città ed in provincia:
Il Cenacolo di via San Gallo, il complesso di Santa Apollonia, la chiesa e il museo di Orsanmichele, la Gipsoteca dell’Istituto d’Arte di Porta Romana, a Firenze;
Il giardino di villa Peyron e il bosco di Fonte Lucente, a Fiesole;
L’Abbazia di San Salvatore e San Lorenzo a Settimo, a Scandicci.
Ovviamente l’ingresso e le visite guidate sono gratuite, ma il pubblico è invitato ad associarsi al FAI anche nell’occasione stessa di queste giornate. A chi è associato sono riservati alcuni ingressi esclusivi.
Segnaliamo anche che in fino al 25 marzo sarà possibile effettuare una donazione di 2 euro per ogni SMS inviato da cellulari TIM, Vodafone, WIND, 3, PosteMobile, CoopVoce, Tiscali e Nòverca; di 2 euro per ogni chiamata fatta allo stesso numero da rete fissa TeleTu, e di 5 o 10 euro per ogni chiamata fatta sempre al 45504 da rete fissa Telecom Italia, Infostrada, Fastweb e Tiscali.

Art history course next May in Florence: the Renaissance in Florence

adg — Sun, 18 Mar 2012 06:31:25 +0000

Florence is an open-air museum and as such it should be explored by our students with the help of teachers and guides.
This 16-hour course is meant to be a journey of rediscovery of the visual arts which flourished in Tuscany in the Renaissance period, as well as a “hands-on” approach to the work of art and its complex layers of meanings and variety of interpretations. Classes and visits will be held in English from May 21st to 25th 2012.

The seminar introduces and explores the main historical-artistic trends from XIV to XVI centuries. Lessons are complemented by guided tours to museums and monuments in Florence. The time-table includes two weekly one-hour lessons and two weekly two-hour guided tours. At the end of one week students will have visited most of the more important museums of Florence such as the Uffizi, the Bargello National Museum, the National Academy Gallery, the Medici Chapels, the San Marco Museum, the Palatina gallery, the churches devoted to Santa Maria Novella and Santa Croce.

The program
Lesson 1. The 14th century
The Tuscan gothic in the religious and civil architecture: Arnolfo di Cambio. Giotto and the 14th century painters: visit to Santa Croce church.

Lesson 2. The 15th century painting
Painting in the early 15th century: Masaccio and Beato Angelico. Visit to San Marco Museum.

Lesson 3. The 15th century sculpture and architecture
The sculptors Ghiberti, Donatello and Verrocchio. The architecture by Brunelleschi. A historical walk throughout the centre of Florence.

Lesson 4. The 15th and the 16th century
Florence during the Medici dinasty: Botticelli, Leonardo and Michelangelo. Visit to the Uffizi Galery.

Lesson 5. Michelangelo and the 16th century sculptors
Michelangelo: the awfulness and the unfinished. Visit to the Galleria dell’Accademia.

Lesson 6. The 16th century painters
Raffaello and the mannerists. Visit to the Galleria Palatina in Pitti Palace.

Lesson 7. Michelangelo’s return to Florence
The new sacristy of San Lorenzo church. Visit to the Medici Chapels.

Video: if you wish to have an idea of what our classes are like, you may watch this video.

For more detailed information, please visit our website or contact the admission office at info@adg.it or by telephone at +39 055 2302467

Mostra a Palazzo Strozzi: Americani a Firenze, Sargent e gli impressionisti del nuovo mondo

cecilia pontenani — Wed, 29 Feb 2012 07:46:01 +0000

Nell’ambito delle manifestazioni che avranno luogo durante tutto il 2012 per ricordare il cinquecentenario della morte di Amerigo Vespucci, è d’obbligo raccomandare di recarsi a Palazzo Strozzi e visitare questa mostra che raccoglie le opere di molti artisti americani che rimasero affascinati e catturati dalla nostra città.

L’evento è intitolato principalmente a John Singer Sargent, che è il più celebrato fra i suoi connazionali e l’unico nato effettivamente a Firenze. Sargent guida la pattuglia di coloro che, tra la fine del XIX secolo e l’inizio del XX, vennero in Italia, in particolare a Firenze, e si distinsero per quell’aura di modernità scandalosa che vi introdussero. Fra essi anche alcune artiste, una su tutte Mary Cassatt, a rappresentare l’apertura che in America si dimostrava nei confronti delle donne quando si permetteva loro di frequentare le Accademie di Belle Arti in tutta naturalezza, mentre ancora in Italia, e maggiormente in Francia, questi approcci artistici femminili erano guardati con sufficienza.

Gli americani, che non si integrarono totalmente con la popolazione locale, portarono dunque con sé un atteggiamento nuovo, cosmopolita, certamente raffinato. In cambio, dall’Italia ricevettero la possibilità di soggiornare in luoghi stracolmi di reminiscenze del passato, di respirarne l’atmosfera mitizzata e di entrare in contatto con i nuovi movimenti artistici del tempo: a questo proposito, si può ben leggere l’influenza della pittura macchiaiola.

La mostra di Palazzo Strozzi riunisce le opere di molti artisti di più correnti: fra i tanti, oltre ai già citati John Singer Sargent e Mary Cassatt, il famosissimo James Abbott McNeill Whistler, Frank Duveneck e alcuni appartenenti al gruppo dei Ten American Painters (William Merrit Chase, Childe Hassam, John Henry Twachman).

La mostra è organizzata dalla Fondazione Palazzo Strozzi e curata da Francesca Bardazzi e Carlo Sisi. Sarà aperta dal 3 marzo al 15 luglio 2012.
Orario: tutti i giorni 9:00-20:00. Il giovedì 9:00-23:00
Prezzi: biglietto intero a 11 Euro. Sono previste varie riduzioni.
Per prenotazioni: Sigma CSCT. tel. 055 2469600 Fax 055 244145 o prenotazioni@cscsigma.it
Per informazioni: tel. 055 2645155

Evoluzione capitale dei sogni di Francesco Falciani e Giovanni Blanco: la recensione

roberto balò — Wed, 25 Jan 2012 06:00:50 +0000

"La balena della Groenlandia è uno dei più meravigliosi animali che esistano al mondo"

Ce ne stavamo nella resede della Galleria B4 di Bologna, dove si trova un gazebo vagamente in stile Art Nouveau, decorato da tre strisce di plastica trasparenti, (la plasticaccia che diventa sporca dopo poco e non si pulisce, diceva Luigi più tardi), dipinte con simboli e segni blu, rosso e nero e con Blanco, Falciani e altri amici si diceva:

“Non è una mostra semplice, non è immediatamente leggibile”

“Si sente che c’è un pensiero dietro!”

“Son le mostre che hanno più successo, molto meglio che mettere davanti allo spettatore un po’ di quadri in fila, facili facili, qui invece ci si deve sforzare.”

“Lo spettatore deve fare congetture, collegamenti, associazioni e in questo modo si sente intelligente. ”

Poiché più che critico d’arte, mi sento spettatore, anch’io ho fatto le mie congetture, collegamenti e associazioni di idee, aiutato dai commenti degli altri, dai discorsi colti con l’orecchio sinistro mentre guardavo a destra. Regola d’oro: non chiedere mai all’artista, perché 1) si potrebbe risentire, 2) se fai una domanda stupida, fai una figuraccia.

Evoluzione capitale dei sogni di Giovanni Blanco e Francesco Falciani si presta a tutto questo. La chiave di lettura è esplicita e dichiarata dai tre ritratti che si trovano nella prima sala: quello di Darwin (Charles), di Marx (Karl) e Freud (Sigmund). Il titolo della mostra corrisponde ai rispettivi titoli dei tre libri fondamentali di questi ingombranti personaggi che hanno segnato il pensiero dei due secoli scorsi. In questa mostra non si tratta né di celebrarli, né di distruggerli, ma come dice Carlo Falciani nella presentazione della mostra: “riconoscendo il valore fondativo di questi tre pensieri e rintracciando la loro presenza nello scheletro del nostro presente, abbiamo avviato una riflessione poetica non sul valore iconico di tali strutture sistematiche, né sulla loro attualizzazione, preferendo invece seguire le indicazioni riguardo la produzione di opere figurative.”

Detto questo, basta lasciarsi prendere dal gioco, seguire le associazioni più o meno automatiche, le intuizioni argute o fortuite e sentirsi intelligenti. In un allestimento più da quadreria che da galleria, fotografie e dipinti si alternano alle pareti, a volte rendendosi quasi indistinguibili come in Corsica e Galapagos o nei quadretti da collezione entomologica e botanica che rappresentano insetti e aracnidi o il cactus fiorito. Freud con il volto deformato dal bianco, o forse dalle sue stesse terapie, se ne sta in alto, piccolino su una parete e guarda in basso, di traverso, chi sta osservando il mare delle Galapagos: inquietante come un dio, sempre lì pronto a puntare il dito o il suo sigaro verso le ubique pulsioni sessuali degli spettatori. Marx e Darwin sono sulla parete opposta, indecisi se scomparire negli sfondi neroveneziano/tardo rinascimentale (ma anche umidissima Bologna by night) e ferro consunto/arrugginito dalle intemperie, o tornare e cercare di regnare combattendo contro gli dèi del presente. Ci sono anche due quadretti, una conchiglia e una poltrona, e lì per lì, nella furia di comprendere ho contravvenuto alla regola d’oro: ho chiesto a Blanco che ci facesse una conchiglia e il risultato è stata una risposta di tipo 2) a domanda stupida corrisponde figuraccia! (ma non si è risentito, non sembra il tipo).

Manifesto del Partito Comunista - Dettaglio

Nel passaggio dalla prima stanza alla seconda si trova un intervento a china su quattro fotografie in bianco e nero: il Manifesto del Partito Comunista riscritto, senza alcuna retorica militanza, sulle foglie delle piante del giardino di Falciani. Di fronte altri due interventi pittorici su foto; accanto strutture architettoniche vuote (i loculi di un cimitero), edifici iniziati e non finiti o mai usati, gli stessi che si ripetono nei sei lavori fatti a quattro mani, dove si incrociano le voci postume di Marx, Darwin e Freud, intitolati Registri: dipinti di Blanco e fotografie di Falciani, associati in modo “quasi automatico” a citazioni dei tre personaggi in questione (“Non avete idea di come sia difficile estrapolare una citazione da Marx”).

Infine siamo di nuovo nella resede, al gazebo quasi Art déco, ma riplastificato. Violatori imperterriti della regola d’oro si radunano a fumare, bere e domandare, e gli artisti, oltremodo pazienti, rispondono:

“Perché non Jung? Perché Freud viene prima. Non è una scelta di merito.”

“La poltrona? È quella su cui si siede il paziente, no?”

“La conchiglia, eravamo indecisi se metterla, ma fa parte del mondo di Darwin, è un soprammobile, potrebbe stare nello studio di uno di loro.”

“No, non c’è alcun intento storico. È un modo per provare a leggere il caotico presente.”

“Ma lo sai che questa, prima di diventare galleria d’arte, era lo studio di Giorgio Celli?”

Sarà un caso? Non sembrerebbe proprio.

Immagini dell’inaugurazione della mostra sono visibili sul nostro profilo Facebook.

La mostra resta aperta fino all’8 marzo 2012 ed è visitabile dal martedì al sabato, dalle 17 alle 20.
Galleria B4, Via Vinazzetti 4/b (zona universitaria)
Info: Federica Rotelli 328-5936214.
federicarotelli@libero.it

Botticelli visto dal Giappone (all’AdG)

adg — Thu, 19 Jan 2012 06:30:11 +0000

La troupe di NHK, tv nazionale giapponese ha girato a Firenze un programma documentario sulla Venere di Botticelli nel febbraio 2011. Una parte della trasmissione è stata girata presso l’Accademia del Giglio durante i corsi di disegno e pittura, il 7 febbraio (da questa parte ci sono le foto). In Giappone il programma ha avuto un buon ascolto di pubblico e giudizi positivi dalla critica. Questo è un breve estratto (la trasmissione intera dura un’ora) in cui alcuni studenti e l’insegnante rispondono alle domande del conduttore, un famoso artista giapponese.

Clicca qui per vedere il video incorporato.

Muestra: La moda une Italia

alinde cordero garcia — Fri, 09 Dec 2011 06:19:44 +0000

En la Galería de los Medici (Palazzo Medici Riccardi) se llevó a cabo (6, 7 y 8 diciembre) la Muestra “La moda unisce l’Italia”, realizada por las alumnas del quinto año del sector moda del Instituto Cellini Tornabuoni periodo escolar 2010-2011.
Viendo los diseños queda claro que detrás de la muestra hay un gran trabajo de investigación y documentación para lograr ejemplificar el pasar de los años en la moda italiana y para compartir con ustedes el trabajo ya terminado que mejor que dejarlos admirar algunos de los modelos que formaron parte de la exhibición.

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Incontri con gli “Artisti a Km 0″: Duccio Mantellassi

silvia mordini — Tue, 22 Nov 2011 06:41:18 +0000

Il 3 novembre scorso si è tenuta la seconda serata della rassegna “Artisti a km 0” organizzata presso il Museo Pecci di Prato. Dopo l’incontro di apertura tenuto dall’artista turco-italiano Murat Önol, è stata la volta del pratese Duccio Mantellassi che, grazie anche al contributo di Fabrizia Bettazzi e Francesca Sarteanesi, che con lui hanno elaborato e scelto i testi letti durante l’evento, ha presentato se stesso e la sua frizzante ed istrionica personalità artistica.

Pittore dal tratto essenziale, ma estremamente identificativo, Duccio Mantellassi ha condiviso la sua idea e visione dell’arte, nonché le sue “visioni” personali ed il modo di percepire la realtà che lo circonda, rendendo possibile a chi ha avuto il piacere di presenziare di “invadere innocentemente” il mondo di quest’artista e portare, anche solo per poco, quelle “lenti” proprie di quest’affascinante creativo.

Davanti ad un buon caffè ha risposto ad alcune domande per fissare dei punti sulla sua poetica, sulle influenze e sul perché fare arte.

S. M. Duccio, parlaci un po’ di te, perché hai scelto di misurarti con la pittura e che percorso hai scelto per arrivare a lei.

D. M. Da piccolo disegnare era il mio passatempo preferito, ciò che mi divertiva di più a discapito dei classici giochi che occupano il tempo dei bimbi. Crescendo mi sono appassionato al mondo dei soldatini di piombo, una possibilità per ricreare quel mondo fantastico che stava alla base delle mie letture e del mio immaginario, grazie a Tolkien. Così ho iniziato a dipingere con gli acrilici miniature di elfi, gnomi, guerrieri, creature mitologiche; ma ad un certo punto tutto questo non mi bastava più. Volevo fare qualcosa che fosse sempre e solo mio, dall’inizio alla fine e scolpire ha sedato per un po’ questo mio desiderio. Desiderio che si è appagato solo con la pittura su tela, visto che è la tecnica più nelle mie corde, anche se la mia ricerca ultimamente verte su altre tecniche, come l’incisione su rame e l’acquarello.

S. M. I soggetti della tua produzione pittorica sono in prevalenza ritratti; come mai questa scelta e come scegli i soggetti rappresentati?

D. M. Il volto esprime meglio chi sei, perché è lo specchio della tua vita e del tuo stato d’animo, ma anche delle tue aspirazioni, di ciò che vorresti essere. I soggetti ritratti sono amici, conoscenti, ma anche perfetti sconosciuti che si fissano nella mia mente per un particolare e nella loro rappresentazione vado a mettere in risalto ciò che ha suscitato il mio interesse. Ho la piena libertà nello scegliere il soggetto e nell’evidenziare o meno i suoi caratteri identificativi, trasponendo così la mia immagine personale su tela.

S. M. Il tuo stile essenziale, ma perfettamente riconoscibile e completo, come si è evoluto nel tempo ed a chi o cosa ti sei ispirato? Come sono cambiati i tuoi riferimenti artistici durante la tua vita?

D. M. Nella mia produzione si possono distinguere due filoni: quello “fumettistico”, che vuole rendere omaggio ad alcuni grandi, tra i quali Miller e Hewlett e quello “sottrattivo”, dove elido volontariamente degli elementi del volto a favore di quelli che lo rendono unico ed interessante per la mia visione. Il mio tratto mutua tanto dall‘illustrazione, quanto dalla grafica pubblicitaria e dalla ricerca di alcuni grandi della pittura, come Modigliani, Schiele o Klimt; questo perché non sento il ritratto iperrealistico in linea con il mio “fare arte”, ma condivido la scelta di questi artisti di sviluppare un loro stile e caratterizzarlo, in modo da renderlo inconfondibile. Per quanto riguarda il mondo del fumetto, da piccolo ero affascinato dai disegni di Franquin e Froideval; poi mi sono avvicinato al mondo di Stano, di Otomo, di Toriama, del già citato Miller e di Buscema. Sono partito dal mondo franco-belga, perché era quello che trovavo in casa: la loro cura per le tavole, per il formato, per i colori ne fanno dei fumetti “da adulti”, anche se i loro soggetti popolano la fantasia dei bimbi (Asterix, Lucky Luke, Tin Tin, I Puffi).

S. M. L’anno in corso ti ha visto occupato in maniera a dir poco frenetica in mostre personali, collettive, eventi eterogenei. Il tutto è stato suggellato dalla tua presentazione “a Km 0” ; cos’è stata la miccia che ha innescato questo meccanismo?

D. M. Tutto nasce dal primo ritratto di “Innocenti Invasioni”, ovvero “Matiocchi – Il maglione blu”; la realizzazione coincide con una data significativa per la mia storia e sento nascere il bisogno incontrollabile di dipingere il volto di quella mia amica, che ho sempre associato con quel pullover blu, ma che non ha mai indossato in nessuna foto in mio possesso. Inizia così la serie che verrà presentata ad aprile alla galleria “Asterisco” di Prato, grazie anche alla cura ed ai consigli di Fabrizia, Monia Nannini e Alessandro Carretti. Con quel nucleo originario di 20 ritratti si creano i presupposti e le conoscenze per tutto ciò che ne seguirà.

S. M. La tua presentazione al Pecci ha fatto intuire qualcosa di te, del tuo mondo e di ciò che popola la tua fantasia; ma ad un certo punto si è percepito un momento di stasi, di vuoto. Puoi dirci qualcosa di più a riguardo?

D. M. La selezione dei testi è stata fatta insieme a Fabrizia Bettazzi e Francesca Sarteanesi, che hanno contribuito con un loro scritto relativo alla serata. Ho citato i Doors, i Beatles, Pirandello, Warhol e Svevo, alcuni degli artisti ed intellettuali che sento vicino in questo momento. Lo showreel che è stato proiettato durante l’incontro, ha descritto visivamente alcune delle mie passioni ed opere. Il momento di stasi che dici di aver percepito rispecchia l’assenza dell’arte in un certo periodo della mia vita: per circa dieci anni la pittura non ha più fatto parte del mio quotidiano, non perché fosse stata una scelta cosciente, ma era come se dovessi attingere altre, nuove informazioni ed ispirazioni. E penso che così sia stato.

S. M. Pirandello, “Uno, nessuno e centomila”, ed il tuo naso: ti piace autoritrarti. È per questo che hai affermato: “Siamo noi stessi coloro che conosciamo meglio”?

D. M. Ho sempre avuto un buon rapporto col mio volto e ciò che vedo riflesso nello specchio mi piace. La citazione da: “Uno, nessuno e centomila” l’ho scelta perché mi rispecchia, a modo mio, ovvero sento di avere un animo multiforme, anche se definito nelle sue linee guida, ma quelle sfumature e chiaroscuri presenti mi permettono di adattarmi alle situazioni più disparate ed alle compagnie più eterogenee. Inoltre credo che sia proprio di ognuno il desiderio sia di vedere senza esser visti, che il bisogno di mostrarsi per affermare il proprio ego e la propria unicità. Ponendomi queste domande costantemente, penso che sì, siamo le persone che conosciamo meglio, rispetto anche ai nostri affetti più cari, perché siamo sempre noi il fine anche quando ci confrontiamo con gli altri. Lo facciamo, ma per conoscere meglio quegli “strangers” che popolano il nostro intimo.

Un estratto video dell’evento (grazie alla concessione di Scheda)

Giorgio Vasari: un cinquecentenne così contemporaneo.

silvia mordini — Tue, 01 Nov 2011 06:38:12 +0000

Giorgio Vasari

All’interno delle celebrazioni per il 5° centenario della nascita dell’aretino Giorgio Vasari, dal 22 al 30 ottobre 2011 si è tenuta la mostra 500 Oggi. Le vite dell’arte in contemporanea, nella residenza fiorentina dell’omonimo in Borgo Santa Croce 8.

Le mura medievali si sono aperte agli interventi di artisti internazionali e nazionali, affermati od emergenti, in un evento che ci ha dato la possibilità di entrare in quella che fu dimora dell’eclettico personaggio dal 1557, anno in cui Cosimo I glielo fittò, per poi darglielo in dono.

Le opere in mostra traggono ispirazione dalla poliedricità di colui che fu pittore, scenografo, storico dell’arte e architetto per la famiglia medicea. Al primo piano, salendo una rampa di scale angusta, che tuttavia aiuta a calarci in una dimensione al limite tra la realtà e l’onirismo, troviamo subito l’opera di Marta Luppi che, attraverso una griglia di corde, seziona lo spazio per le sue Vite s-conosciute, in cui ha disposto elenchi telefonici e carte su cui è intervenuta, aiutando così l’impressione dell’opera nella memoria retinica; poi veniamo invitati ad affacciarci su V_archi, di Fabio Chiantini, che mutua dall’illusionismo prospettico e dagli scorci offerti da Casa Vasari; procedendo incontriamo l’intervento di Avio Musetti, Viste oltre il muro, videoinstallazione con la quale dialogano elementi antitetici, ispirandosi al tardo manierismo ed al suo illusionismo. La fine di questa parte del percorso è sancita da Quadreria, di Stefano Castrucci & Piero Mazzoni, disponendo in maniera casuale le loro opere sulle quattro pareti della stanza vuota, illuminate da una piccola fonte luminosa posta in un angolo e da una giovane donna, che grazie ad un candelabro ci accompagna nella visione delle opere e ci porta fantasticamente indietro nel tempo.

Nella seconda ala della dimora ci viene permesso di visitare la “Sala Grande”, affrescata dallo stesso Vasari e restaurata negli ultimi anni, dove vediamo rappresentate: l’Origine dell’Arte, Zeusi e le Belle Vergini, Apelle ed il Ciabattino, le Allegorie delle Arti ed i ritratti di 13 dei 159 artisti trattati nelle sue “Vite”.

Sullo stesso piano, a guisa di vestibolo, troviamo l’opera di Paolo Lauri, Di là, ispirata alla storia di Zeusi narrata da Plinio e come il pittore greco ci propone una sua “selezione” della bellezza femminile, attraverso stampe fotografiche in scala 1:1.

L’ultima rampa di scale non fa che aumentare il climax verso il main event dei contemporanei. Attraverso le installazioni Days of Florence di Charles Loverme, Disgregazione di Melania Lanzini e Effimeri Parati di Federica Gonnelli la visione risulterà piena, quando ci si concederà la contemplazione della coinvolgente videoinstallazione Acceptance (2006) di Bill Viola, della serie Transfiguration: il video, interamente girato in bianco e nero, risulta di un lirismo ed una tensione vitale disarmanti nella sua rigorosa semplicità.

Nell’antica casa fiorentina di Vasari è stato possibile constatare de visu quanto ancora questo artista, che ha lasciato un’impronta indelebile nella storia dell’arte moderna, sia ancora fonte di ispirazione fertile per l’arte contemporanea.

ArtVerona: un’Avanguardia Indipendente

silvia mordini — Fri, 14 Oct 2011 06:15:30 +0000

Dal 6 al 10 Ottobre si è svolta la settima edizione di ArtVerona, nel polo fieristico rinomato per “Vinitaly” e la “FieraCavalli”. Presenti grandi nomi del panorama galleristico nazionale ed ottimi della nostra realtà regionale, quali le Gallerie d’Arte Alessandro Bagnai, Frittelli e San Gallo Art Station, di Firenze; Barbara Paci, MXM, Paola Raffo e Claudio Poleschi, di Lucca; Eleonora D’Andrea, Marchese e Open Art di Prato; Granelli di Livorno; infine, la Tornabuoni Arte che ha sedi in varie città, tra cui Firenze, Venezia e Milano. Come già menzionato, nomi importanti quanto le opere in esposizione, con un’alta percentuale di Fontana, Rotella, Baj e qualche graditissima sopresa, come Pao e Araki.

Ciò che veste a nuovo quest’importante fiera è lo spazio, che ormai da due anni viene dedicato alle realtà indipendenti del panorama nostrano, radunate sotto l’egida di Cristiano Seganfreddo, già direttore di Fuoribiennale e presidente dell’associazione “Progetto Marzotto”. Independents2 si dipana al centro dei padiglioni 6 e 7, quasi a simboleggiare la spina dorsale del panorama artistico odierno, il fulcro vitale, la linfa a cui attingere per l’arte che verrà. O così dovrebbe, visto la ricchezza di progetti e di carica innovativa che presentano queste 27 realtà autonome, tanto eterogenee tra loro, quanto accomunate dalla volontà di mettere e mettersi in discussione, sperimentare, RISCHIARE. Parola perniciosa quest‘ultima, che implica il dover fare i conti con la percentuale sia di successo, che di fallimento; ma che apre nuove porte sul modo di “fare” e “trasmettere” arte. E, soprattutto, la voglia di condividere il proprio percorso creativo, coinvolgendo e raccontandosi: attività indispensabile per quello che è considerato il canale “alternativo”, di nicchia, “underground” dell’arte contemporanea. Come l’esperienza di “Associazione E” (Venezia), fondata da due giovanissimi curatori, che raccontano la loro attività attraverso la lettura di foto coperte delle loro mostre, che lasciano “scoprire” al visitatore, interpretandole ironizzando sulla figura tanto in voga del cartomante. “eve ar:v.” (Eventi Arte Venezia), un gruppo di sperimentazione che cerca sia di fornire uno spazio libero (Forte Marghera), in cui ogni anno tre artisti, selezionati attraverso un bando, possono condurre un proprio percorso di ricerca, sia favorire un interscambio con le altre realtà autonome. “Interzona”, che opera da quasi vent’anni negli spazi dei Magazzini Generali di Verona, frutto del lavoro di volontari che hanno dovuto sempre fare i conti con fondi inesistenti, uno sfratto, tante difficoltà, ma che son riusciti a catalizzare artisti del calibro di Blixa Bargeld, Massive Attack, Motus, Mike Patton e tanti altri. “Connecting Cultures”, realtà milanese no-profit che indice workshop e seminari per giovani artisti, affiancati da prestigiosi nomi internazionali negli ambiti più vari, con un occhio attento anche agli stranieri presenti sul territorio nazionale. “INFART”, collettivo di Bassano del Grappa (Vicenza), da anni faro di chi ama e segue la street art & culture, appena reduci dalle fatiche che hanno prodotto “Vulpes Pilum Mutare” (2-10 Settembre) a cui hanno partecipato consolidati artisti del panorama alternativo (Saturno Buttò, Dast, Simone El Rana, Laurina Paperina o Diego Knore, per fare qualche esempio).

Come loro, tanti altri ancora, gli outsider, che a mio avviso, hanno fatto da padroni in una fiera di espositori di alto calibro, andando oltre la crisi del mercato, dello sboom dell’arte contemporanea, delle vene artistiche inaridite e dei classici “garantiti“. E dall’ “oltre” ci aspettano.

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