Nasce dunque quest’anno un festival inedito, che porterà ogni anno a Padova un artista internazionale, il quale condividerà con la città i suoi gusti e tutto ciò che l’ha ispirato nella sua opera e nella sua vita. Dal cinema alla letteratura, dalla musica all’enogastronomia: una specie di monografia a 360 gradi e in 3 giorni che quest’anno mette al centro uno dei più grandi registi italiani: Pupi Avati. Il regista sarà presente in città per chiudere l’edizione, in compagnia di uno dei suoi attori, Neri Marcoré. Parlerà con il pubblico, risponderà alle sue domande, racconterà il perché delle sue scelte, si mescolerà a sorpresa agli spettatori durante le proiezioni.

In programma, quindi, anzitutto una maratona cinematografica. I film preferiti di Avati, quelli che l’hanno appassionato e ispirato, saranno proiettati durante i tre giorni al Cinema Teatro MPX. Film importanti come La corona di Ferro di Blasetti, Una domenica d’agosto di Emmer, 8 e 1/2 di Fellini, Vampyr di Dreyer, La scala a chiocciola di Siodmak, Una vita difficile di Risi, Robin Hood e Casablanca di Curtiz, La vita è meravigliosa di Capra, Ladri di Biciclette di De Sica, La storia di Glenn Miller di Mann e La Grande Guerra di Monicelli. Perché il grande schermo non è solo prime visioni, perché il cinema non si consuma, perché rivedere i film che hanno ispirato un grande maestro è un modo originale per conoscerlo e capirlo meglio.

Avati parteciperà virtualmente con dei videoclip in cui spiegherà le sue scelte e racconterà la sua visione del cinema. E l’ultima sera sarà proiettato un film realizzato da lui, tra i più importanti della sua carriera.

Il cinema sarà protagonista, ma lo saranno anche la letteratura, la musica, il sociale, l’arte, il cibo. Una lectio magistralis del regista ai ragazzi dell’Università, e poi viaggi tra i libri e gli autori preferiti dall’artista bolognese, incontri con critici che si sono occupati della sua opera, concerti jazz con brani scelti da Avati il quale, forse non tutti sanno, fu un ottimo clarinettista. E poi menù con i suoi piatti preferiti nelle osterie della città, pranzi con gli artisti, mostre dedicate alla sua produzione, ed anche un incontro per le scuole dedicato al sociale: sabato mattina verrà proiettato il suo recente film Una sconfinata giovinezza con Francesca Neri e Fabrizio Bentivoglio, e a seguire l’Amap, Associazione Malati Alzheimer di Padova, organizzerà un incontro-dibattito.

Gli incontri sono ad ingresso libero, alcune proiezioni sono a pagamento (3,50 euro). Con la tessera SecondoMé (10 euro) è possibile avere accesso prioritario a tutti gli appuntamenti del festival.

Info, prenotazioni e programma completo si trovano sul sito del festival.

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Mario Monicelli, in effetti considerato il capostipite della commedia all’italiana, era toscano e quindi sicuramente ha indicato una linea precisa che poi altri registi hanno continuato a percorrere: l’omaggio a Monicelli che si trova nel film Il ciclone di Leonardo Pieraccioni ne è un esempio evidente (nel film Monicelli, che non si vede di persona ma se ne sente solo la voce, interpreta il nonno del protagonista). Monicelli era nato a Viareggio, quindi un toscano della costa, dotato di quell’ironia e sarcasmo graffiante tipici della zona. Anche se si trasferì a Roma, a Cinecittà, poiché il cinema si faceva praticamente solo lì, le sue radici sono rimaste sempre in Toscana dove ha girato uno dei suoi film più famosi, Amici miei. Il film, che in realtà è una trilogia, parla di un gruppo di amici fiorentini a cui piace fare gli scherzi: è un film che tratta di gioia, di genio e sregolatezza, ma allo stesso tempo è un film di dolore, in cui la vecchiaia, la morte e la delusione sono sempre in agguato. Per alcuni critici Amici miei segna anche il punto di passaggio tra la commedia all’italiana classica e un nuovo tipo di commedia, più moderna e meno legata agli schemi soggettistici degli anni ’60 e ’70.

L’altro regista e attore fondamentale per questo “genere toscano” è sicuramente Roberto Benigni: Benigni ha iniziato come attore comico e solo più tardi nella sua carriera è diventato regista, con il film Tu mi turbi del 1983. Il suo film più toscano e allo stesso tempo forse anche quello più distante dagli stereotipi di questa regione è probabilmente quello girato insieme a Massimo Troisi, Non ci resta che piangere: la comicità toscana fusa completamente con quella napoletana creano un’opera che va oltre i confini di genere e geografici. Nel film i due protagonisti finiscono casualmente indietro nel tempo, in piena epoca rinascimentale ed è così che decidono di impedire a Cristoforo Colombo di scoprire l’America! Un film picaresco, un road-movie quattrocentesco in cui la trama è un canovacccio per far liberare la comicità dei due attori:  così l’incontro con Leonardo da Vinci in cui provano a insegnargli a giocare a carte o a costruire lo sciacquone o inventare il treno e l’energia elettrica, diventa una gag memorabile!

Un altro importante regista toscano, un pratese per la precisione, è Francesco Nuti, che con una decina di film da regista è diventato tra gli anni ’80 e i ’90 famoso in tutta Italia, facendo dei film comici, tristi e estremamente poetici. Già nei primi film in cui era diretto da Maurizio Ponzi (Madonna che silenzio c’è stasera, Casablanca, Casablanca o Io, Chiara e lo Scuro) erano presenti queste caratteristiche che poi nei suoi film da regista furono ancora di più esaltate (Tutta colpa del Paradiso, Stregati, e Caruso Paskoski).

Nuti, prima di intraprendere una carriera da solo, era uno dei componenti di un gruppo di attori chiamato i Giancattivi, di cui faceva parte anche un altro regista e attore molto importante: Alessandro Benvenuti. Anche lui rientra a pieno titolo in questo filone di film aggiungendoci un’ironia graffiante, a volte anche cattiva, al limite della maleducazione. Basti vedere la comicità surreale di Ad Ovest di Paperino, passando per lo spassosissimo Benvenuti in casa Gori fino agli ultimi film che, purtroppo, non hanno mai ricevuto il tributo di pubblico che forse si meriterebbero.

Un altro regista e sceneggiatore toscano è Giovanni Veronesi, anche lui di Prato e amico di Francesco Nuti. Ha firmato molte regie importanti e ultimamente ha girato diversi film di successo, come Manuale d’amore, anche se questi film non rientrano propriamente nel filone toscano. Molto più radicati nel territorio sono, invece, Leonardo Pieraccioni, e Massimo Ceccherini. Leonardo Pieraccioni ha iniziato come comico facendo spettacoli in giro per la Toscana, poi negli anni ’90 con un paio di film, I laureati e Il ciclone è diventato famoso in tutta Italia. Nonostante questo, i suoi film sono estremamente toscani, a partire dall’uso del vernacolo fiorentino. Si rifanno al filone della commedia all’italiana, soprattutto a quelli di Monicelli. Massimo Ceccherini è un ottimo caratterista: recita sempre in toscano e ha una comicità surreale che si rifà a quella dei già citati Giancattivi. Al momento ha girato da regista solo tre film che hanno avuto un successo limitato, ma che sono apprezzati dagli amanti del genere.

Paolo Virzì è un regista livornese: i suoi film sono molto divertenti e lo humor toscano è sempre in primo piano. Tra i suoi film da vedere c’è sicuramente Ovosodo, la storia tragicomica di una famiglia livornese raccontata da un bambino, Tutta la vita davanti, un film sui giovani e sul lavoro precario e l’ultimo, uscito nel 2010, La prima cosa bella.

Uno dei grandi registi della generazione precedente è Franco Zeffirelli, il famosissimo regista fiorentino, che però a differenza di quelli citati finora, non segue il filone della commedia: tra i suoi film più noti, possiamo elencare Romeo e Giulietta, Fratello Sole, Sorella Luna sulla vita di San Francesco, e Gesù di Nazareth. Comunque, Zeffirelli si è soprattutto occupato di regia di opere liriche sia per il cinema che per il teatro, come Otello, La cavalleria rusticana o La traviata. Abbastanza recente è un suo film storico con elementi autobiografici, ambientato nella Firenze degli anni ’30: Un tè con Mussolini del 1999. Nel genere drammatico ci sono poi due registi pisani, due fratelli, che da sempre lavorano insieme, Paolo e Vittorio Taviani: tra i loro film più interessanti troviamo Padre padrone e La notte di San Lorenzo.

Purtroppo non siamo riusciti ad individuare registe importanti, ma sicuramente ci sono ottime attrici. Una di queste è Athina Cenci che insieme a Nuti e Benvenuti faceva parte dei Giancattivi: ha interpretato molti ruoli comici, ma anche alcuni drammatici, soprattutto in alcune serie televisive di grande successo.

Infine ci sono anche molti film che non sono di registi toscani, ma che sono ambientati in questa regione.  Sempre per parlare di film e registi italiani, uno dei più famosi è forse Io ballo da sola di Bernardo Bertolucci, con la bellissima Liv Tyler, ambientato nella campagna senese. Anche Federico Fellini girò alcune scene de I vitelloni di Fellini sono girate a Firenze e Dino Risi ha spesso ambientato le sue storie o parte di esse in Toscana (Il sorpasso, Una vita difficile).

Tra i film stranieri girati in Toscana ricordiamo Camera con vista di James Ivory, Ritratto di signora di Jane Campion, Hannibal di Ridely Scott, tutti girati a Firenze, oppure Sotto il sole della Toscana di Audrey Wells.

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Roberto Rossellini

a.

Nel 1946 usciranno Paisà, sei episodi girati tra Napoli e il Po con attori non-professionisti, e Germania anno zero, un film girato a Berlino con parecchi elementi neorealisti: l’uso di attori non professionisti, le lunghe riprese in esterni, le storie di gente comune.

b.

Nasce a Roma nel 1906. Suo padre era proprietario della prima sala cinematografica di Roma. Inizia quindi prestissimo ad appassionarsi al cinema e a lavorare per esso. Il suo primo lavoro cinematografico è stato un documentario che gli ha aperto le porte della regia, iniziando prima come assistente di importanti registi.

c.

Il matrimonio con Ingrid Bergman si conclude nel 1957, anno in cui Rossellini compie un lungo viaggio in India e durante il quale gira un film per il cinema, India Matri Bhumi, e un documentario per la televisione, L’India vista da Rossellini.

d.

Il suo primo progetto didattico per la tv è L’età del ferro, sei puntate andate in onda sulla Rai nel 1964. Fino al 1974 Rossellini continua a produrre serie televisive per una durata complessiva di oltre trenta ore.

e.

I suoi primi tre film escono durante la seconda guerra mondiale e quindi ancora in periodo fascista, durante il quale nasce anche l’amicizia con Federico Fellini.

f.

Negli anni successivi gira Il generale Della Rovere, con il quale si aggiudica il Leone d’Oro al miglior film al Festival di Venezia) e comincia a lavorare per la televisione intuendone le potenzialità comunicative e espressive.

g.

Nel 1943, a soli due mesi dalla liberazione di Roma, lavora già, con pochissimi mezzi a disposizione, a Roma città aperta, uno dei suoi film più importanti interpretato tra gli altri dall’attrice Anna Magnani e da Aldo Fabrizi.

h.

Nel 1953 il film Viaggio in Italia, gli dà l’occasione di entrare in contatto con i giovani cinefili francesi che avrebbero poi dato vita alla Nouvelle Vague, tra cui François Truffaut, Jean-Luc Godard, e Eric Rohmer.

i.

Rossellini Muore a Roma nel 1977.

j.

Nel 1948 incontra Ingrid Bergman: nasce una storia di amore e un sodalizio artistico. Iniziarono a lavorare assieme in Stromboli terra di Dio (girato sull’isola di Stromboli, il cui vulcano eruttò durante le riprese), e nel 1950 in Europa ’51.

Soluzione

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Il cinema di genere

Il sesto numero della collana diretta da Gemma Lanzo e Costanzo Antermite e pubblicato da Gemma Lanzo Editore è di quelli preziosi e sarà in tutte le librerie a partire da Gennaio 2011. Moviement, che si articola come di consueto nella forma della raccolta di saggi intorno ad autori o temi specifici, è dedicato questa volta all’arte di Jan Švankmajer e include contributi di studiosi, teorici ed esperti di cinema come Luigi CASTELLITTO, David SORFA, Timothy R. WHITE, J. Emmett WINN, Micheal O’PRAY, Adrian MARTIN, Michele FAGGI e comprende inoltre un’intervista rilasciata  dallo stesso Švankmajer e curata da Peter HAMES e il noto decalogo di Jan ŠVANKMAJER tradotto in italia per la prima volta.

MOVIEMENT si acquista in tutti i circuiti FELTRINELLI, MONDADORI, le LIbrerie Interno 4, Coop, Fastbook, Melbookstore oppure direttamente online.

Jan Švankmajer

Definito dalla rivista francese Positif un “gigante del cinema contemporaneo” Jan Švankmajer è un regista atipico per eccellenza, “per il controllo artigianale, la vastità dei riferimenti, la singolarità della proposta” (Pitassio, 2000) e per una cifra stilistica che connota tutta la sua produzione assolutamente fuori da ogni schema, è senza ombra di dubbio “uno dei pochi artisti viventi che lavorano nel cinema e che si merita il termine abusato di genio” (Andrew, 2007). Jan Švankmajer è tra i più grandi registi di animazione al mondo, maestro nell’arte dello stop motion è tra i principali esponenti del Surrealismo ceco. Regista, pittore, scultore e poeta, mescola spesso tra loro arti diverse, i suoi film ci trasportano in mondi magici in cui tutto si anima. Questo numero di Moviement si occuperà, attraverso saggi ed interviste, dei vari aspetti che hanno reso unico questo grande maestro visionario, le cui opere hanno ispirato artisti quali Tim Burton, Terry Gilliam e i fratelli Quay. Il regista praghese è tornato in prima mondiale alla 67ma Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, fuori concorso, con Surviving Life “commedia psicanalitica” tra sogno e realtà. Dice Švankmajer: “La nostra civiltà non fa più affidamento sui sogni, dal momento che non possono essere capitalizzati”.

La presa di Roma (1905) di Filoteo Alberini

Il primo cortometraggio conosciuto della storia del cinema è Roundhay Garden Scene, realizzato il 14 ottobre 1888 da Louis Aimé Augustin Le Prince, della durata di 2 secondi. Ufficialmente però il cinema inizia il 28 dicembre 1895 con la prima proiezione in sala, di fronte a un pubblico. I fratelli Louis e Auguste Lumière avevano inventato il cinématographe, il cinematografo appunto, un apparecchio in grado di proiettare delle immagini impresse sulla pellicola fotografica in sequenza rapida su uno schermo. La pellicola era già stata inventata nel 1885 da George Eastman.

La prima proiezione in Italia si tiene pochissimo tempo dopo: già nel marzo del 1896 i fratelli Lumière fanno le loro prime rappresentazioni a Roma e Milano. L’anno successivo viene addirittura aperto a Pisa il primo cinema italiano, tuttora esistente: il Lumière. I primi film sono dei documentari della durata di pochi secondi. Il primo film italiano a soggetto, ovvero con una storia, è La presa di Roma di Filoteo Alberini, un vero e proprio pioniere. In questo film viene ricostruito un evento storico: la breccia di Porta Pia e la successiva presa di Roma del 20 settembre 1870. Per la prima volta i personaggi sono interpretati da attori teatrali. Le storie più amate dal pubblico diventano immediatamente i drammi sentimentali, insieme alle comiche che venivano proiettate alla fine del film. Uno dei film più importanti è sicuramente Cabiria di Giovanni Pastrone: un kolossal realizzato nel 1914 che viene addirittura proiettato in anteprima alla Casa Bianca di fronte al Presidente degli Stati Uniti d’America.

In Italia appare anche il primo movimento di avanguardia cinematografica: già nel 1916 i futuristi pubblicano il Manifesto della Cinematografia Futurista e nel 1917 Anton Giulio Bragaglia gira il film Thaïs, un film curatissimo nelle scenografie, ipnotiche e simboliste, che saranno una fonte d’ispirazione per il cinema espressionista tedesco.

Gli attori più noti di questo periodo sono Emilio Ghione, Mario Bonnard, Lyda Borelli, Francesca Bertini e più avanti anche la famosa Eleonora Duse. Sono i primi veri e propri divi del cinema italiano: interpretano soprattutto drammi passionali.

Dopo la prima guerra mondiale il cinema subisce una prima grave crisi che dura fino al 1929: in questo periodo resistono ancora i drammi passionali, ripresi da testi letterari e teatrali classici e il cinema napoletano con i film di Elvira Notari, la prima donna regista del nostro cinema. I suoi film, quasi tutti musicali, diventano famosi anche all’estero, sopratttutto in Sudamerica.

Cinecittà

Il fascismo, che inizia ad affermarsi all’inizio degli anni ’20, non si occupa molto di cinema. Data la crisi economica, in Italia circolano quasi esclusivamente film stranieri, in particolare americani. Solo verso la fine degli anni venti, con il successo di alcuni film come Sole di Alessandro Blasetti e Rotaie di Mario Camerini il regime comincia ad intuire le potenzialità di questa forma d’arte. Nel 1930 termina l’epoca del film muto perché esce il primo film sonoro: questo sarà un cambiamento epocale. Negli anni ’30 viene istituito il Ministero della Cultura Popolare (Min.Cul.Pop) e qualche anno dopo, nel 1937, nasce Cinecittà, inaugurata dallo stesso Mussolini, che pronuncia la celebre frase “La cinematografìa è l’arma più forte”. Cinecittà è quella che potremmo chiamare la Hollywood italiana. A Cinecittà un regista ha a disposizione tutto ciò di cui ha bisogno: teatri di posa e servizi tecnici. Viene anche fondato il Centro Sperimentale di Cinematografia e la Cineteca Nazionale. Poco prima dell’inizio della seconda guerra mondiale viene approvata una legge che blocca di fatto l’importazione di film dall’estero, favorendo così la produzione di film italiani.

Nasce così un nuovo genere, quello detto dei telefoni bianchi: questi film si interessano della borghesia e dei loro problemi; si chiamano così perché in alcune sequenze compaiono dei telefoni bianchi i quali denotano l’appartenenza dei protagonisti a un ceto sociale più elevato rispetto a chi usa i normali telefoni neri. Questi film sono conosciuti anche come commedia all’ungherese, perché i soggetti e le sceneggiature sono di autori ungheresi, o come cinema déco per la presenza di oggetti e scenografie in questo stile.

SINOSSI:
In un piccolo villaggio della Turchia, il regista ci racconta  il cambiamento che sta avvenendo nel suo paese, attraverso il distacco di un figlio dalla madre. Un giovane turco che vive una vita fatta di routine aspira a diventare un poeta, ma rinuncia al suo sogno, con la perdita dell’innocenza, quando la madre, legandosi ad un altro uomo, taglia simbolicamente il cordone ombelicale.

MINIBIOGRAFIA:
Semih Kaplanoglu, regista, produttore e sceneggiatore, con questo film prova a fare un viaggio a ritroso nella vita di un uomo, dall’età adulta all’infanzia, e nello stesso tempo a raccontare un pezzo della sua Turchia.

COMMENTO:
Pieno di simboli che rappresentano probabilmente la cultura e le superstizioni del suo paese, Il film inizia con una scena dove una donna viene appesa a testa in giù per farle vomitare un serpente che si trova nel suo corpo.
Forse Kaplanoglu dà per scontato che tutti conoscano la storia e la cultura del suo paese e si affida moltissimo a simboli e ad immagini che non accompagnano lo spettatore  nella comprensione del film, lasciandoli alla fine perplessi.

Film sicuramente non facile, ma con degli spunti interessanti.

“Vegas: Based on a true story” di Amir Naderi

SINOSSI:
Film ambientato a Las Vegas. Racconta di una famiglia che cerca di uscire dal vizio del gioco d’azzardo, conducendo una vita normale, fino a quando un giorno arriva un uomo nella loro vita  a fargli credere che la loro casa vale molto di più di quello che pensano. Lusingati da tale promessa e affascinati dalla speranza di poter condurre finalmente una vita di agi senza più sacrifici, i protagonisti si lasciano abbindolare.
Qui inizia l’ossessiva ricerca di una valigia piena di soldi. Probabilmente è solo il pretesto che Naderi usa per raccontare la necessità continua e maniacale da parte dell’essere umano di trovare qualcosa, di ricercare se stesso, fino all’esasperazione e quindi alla propria distruzione che, con maestria,  Naderi rappresenta simbolicamente con la distruzione della casa.

MINIBIOGRAFIA
Amir Naderi inizia a girare films negli anni ’70. Tra i suoi più famosi: “Manhattan by numbers” (1993); “A,B,C, Manhattan” (1997) e “Marathon” (2002). “Vegas: based on a true story” è il suo ultimo lungometraggio.

COMMENTO:
Naderi ci racconta con ironia  uno spaccato di America ai margini. In uno scenario desertico, esprime attraverso i suoi personaggi l’aridità dell’anima, ma lascia comunque allo spettatore un barlume di speranza che ripone nelle nuove generazioni.
Film che dà molti spunti di riflessione, secondo noi assolutamente da vedere.

Il premio alla carriera quest’anno verrà consegnato dal direttore della Mostra Marco Mueller a Ermanno Olmi, che riceverà il Leone d’Oro alla carriera durante il pomeriggio del del 5 settembre; la premiazione sarà preceduta dalla proiezione di otto cortometraggi del regista, mentre uno dei suoi film più importanti, La leggenda del santo bevitore, verrà proiettato durante la serata di preinaugurazione della Mostra, il 26 settembre. Alrtri lungometraggi di Olmi saranno visibili durante la settimana in Sala Volpi.

Il film di apertura, il 27 settembre sarà l’atteso Burn after reading dei fratelli Coen, alla presenza, oltre che dei registi, di star di primordine: George Clooney, Brad Pitt, John Malkovich e Tilda Swinton. La proiezione, come da tradizione, è a inviti quindi sarà difficile parteciparvi.

La kermesse vera e propria inizierà però il giorno successivo con la proiezione di pellicole di grandi artisti internazionali quali Takeshi Kitano, Barbet Schroeder, Guillermo Arriaga, solo per citarne qualcuno. Sempre il 28 ci sarà la prima del documentario del regista americano Matt Tyrnuer sullo stilista Valentino, Valentino: the last emperor. Interessante per gli appassionati di animazione si prospetta la serata del 31 agosto con la proiezione di Ponyo di Hayao Miyazaki.

Per quanto riguarda il cinema italiano, il programma è molto ricco, e oltre alle varie retrospettive che proporranno film di Risi, Fellini, Pasolini, c’è attesa per Un giorno perfetto di Ferzan Ozpetek, il 30 agosto e per Il papà di Giovanna di Pupi Avati previsto per il 31 e Il seme della discordia di Pappi Corsicato. Per gli appassionati di Antonio Rezza, il 1 settembre in Sala Volpi, verrà proiettato Il passato è il mio bastone, girato insieme a Flavia Mastrella.

Attesa anche per il restaurato Yuppi Du di Adriano Celentano, il 4 settembre, e per Hurt Locker di Katherine Bigelow. Ma come al solito la nostra speranza è di rimanere stupiti anche da tutti gli altri film in concorso di registi magari meno noti e agli esordi che però spesso si rivelano più sorprendenti di quelli dei registi più affermati.

Quest’anno inoltre adgblog avrà due inviate, collaboratrici dell’Accademia del Giglio per i corsi di Storia del Cinema Italiano alla Mostra del cinema: Alessandra Scarpino e Rita Santanni che ci ragguaglieranno, più o meno in diretta, su ciò che succederà a Venezia nei giorni della Mostra. Infine segnaliamo la presenza a Venezia degli amici di Indie-eye che come ogni anno ci daranno le loro recensioni a caldo sui film in programma.