During the workshop the students will follow the essential steps to making a fresco: for example they will learn how to prepare the arriccio (the preliminary layer of plaster spread on the tile), the cardboard for the sinopia and the use of the pigments.

The most peculiar quality of the fresco painting lies undoubtedly in its making: the pigment - a natural material – is laid on a fresh plastesetr several times in a short lapse of time, and through a cohesion process it fixes itself in the plaster, creating warm and subtle tones.

The teacher will guide the students through the different phases of this original and ancient technique. At the end of this short but very intensive workshop, students will have acquired the necessary skills for making a fresco on their own.

For more details please visit the Fresco Workshop page or contact AdG school at info@adg.it.

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"La balena della Groenlandia è uno dei più meravigliosi animali che esistano al mondo"

Ce ne stavamo nella resede della Galleria B4 di Bologna, dove si trova un gazebo vagamente in stile Art Nouveau, decorato da tre strisce di plastica trasparenti, (la plasticaccia che diventa sporca dopo poco e non si pulisce, diceva Luigi più tardi), dipinte con simboli e segni blu, rosso e nero e con Blanco, Falciani e altri amici si diceva:

“Non è una mostra semplice, non è immediatamente leggibile”

“Si sente che c’è un pensiero dietro!”

“Son le mostre che hanno più successo, molto meglio che mettere davanti allo spettatore un po’ di quadri in fila, facili facili, qui invece ci si deve sforzare.”

“Lo spettatore deve fare congetture, collegamenti, associazioni e in questo modo si sente intelligente. ”

Poiché più che critico d’arte, mi sento spettatore, anch’io ho fatto le mie congetture, collegamenti e associazioni di idee, aiutato dai commenti degli altri, dai discorsi colti con l’orecchio sinistro mentre guardavo a destra. Regola d’oro: non chiedere mai all’artista, perché 1) si potrebbe risentire, 2) se fai una domanda stupida, fai una figuraccia.

Evoluzione capitale dei sogni di Giovanni Blanco e Francesco Falciani si presta a tutto questo. La chiave di lettura è esplicita e dichiarata dai tre ritratti che si trovano nella prima sala: quello di Darwin (Charles), di  Marx (Karl) e Freud (Sigmund). Il titolo della mostra corrisponde ai rispettivi titoli dei tre libri fondamentali di questi ingombranti personaggi che hanno segnato il pensiero dei due secoli scorsi. In questa mostra non si tratta né di celebrarli, né di distruggerli, ma come dice Carlo Falciani nella presentazione della mostra: “riconoscendo il valore fondativo di questi tre pensieri e rintracciando la loro presenza nello scheletro del nostro presente, abbiamo avviato una riflessione poetica non sul valore iconico di tali strutture sistematiche, né sulla loro attualizzazione, preferendo invece seguire le indicazioni riguardo la produzione di opere figurative.”

Detto questo, basta lasciarsi prendere dal gioco, seguire le associazioni più o meno automatiche, le intuizioni argute o fortuite e sentirsi intelligenti. In un allestimento più da quadreria che da galleria, fotografie e dipinti si alternano alle pareti, a volte rendendosi quasi indistinguibili come in Corsica e Galapagos o nei quadretti da collezione entomologica e botanica che rappresentano insetti e aracnidi o il cactus fiorito. Freud con il volto deformato dal bianco, o forse dalle sue stesse terapie, se ne sta in alto, piccolino su una parete e guarda in basso, di traverso, chi sta osservando il mare delle Galapagos: inquietante come un dio, sempre lì pronto a puntare il dito o il suo sigaro verso le ubique pulsioni sessuali degli spettatori. Marx e Darwin sono sulla parete opposta, indecisi se scomparire negli sfondi neroveneziano/tardo rinascimentale (ma anche umidissima Bologna by night) e ferro consunto/arrugginito dalle intemperie, o tornare e cercare di regnare combattendo contro gli dèi del presente. Ci sono anche due quadretti, una conchiglia e una poltrona, e lì per lì, nella furia di comprendere ho contravvenuto alla regola d’oro: ho chiesto a Blanco che ci facesse una conchiglia e il risultato è stata una risposta di tipo 2) a domanda stupida corrisponde figuraccia! (ma non si è risentito, non sembra il tipo).

Manifesto del Partito Comunista - Dettaglio

Nel passaggio dalla prima stanza alla seconda si trova un intervento a china su quattro fotografie in bianco e nero: il Manifesto del Partito Comunista riscritto, senza alcuna retorica militanza, sulle foglie delle piante del giardino di Falciani. Di fronte altri due interventi pittorici su foto; accanto strutture architettoniche vuote (i loculi di un cimitero), edifici iniziati e non finiti o mai usati, gli stessi che si ripetono nei sei lavori fatti a quattro mani, dove si incrociano le voci postume di Marx, Darwin e Freud, intitolati Registri: dipinti di Blanco e fotografie di Falciani, associati in modo “quasi automatico” a citazioni dei tre personaggi in questione (“Non avete idea di come sia difficile estrapolare una citazione da Marx”).

Infine siamo di nuovo nella resede, al gazebo quasi Art déco, ma riplastificato. Violatori imperterriti della regola d’oro si radunano a fumare, bere e domandare, e gli artisti, oltremodo pazienti, rispondono:

“Perché non Jung? Perché Freud viene prima. Non è una scelta di merito.”

“La poltrona? È quella su cui si siede il paziente, no?”

“La conchiglia, eravamo indecisi se metterla, ma fa parte del mondo di Darwin, è un soprammobile, potrebbe stare nello studio di uno di loro.”

“No, non c’è alcun intento storico. È un modo per provare a leggere il caotico presente.”

“Ma lo sai che questa, prima di diventare galleria d’arte, era lo studio di Giorgio Celli?”

Sarà un caso? Non sembrerebbe proprio.

Immagini dell’inaugurazione della mostra sono visibili sul nostro profilo Facebook.

La mostra resta aperta fino all’8 marzo 2012 ed è visitabile dal martedì al sabato, dalle 17 alle 20.
Galleria B4, Via Vinazzetti 4/b (zona universitaria)
Info: Federica Rotelli 328-5936214.
federicarotelli@libero.it

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April 30th – May 4th 2012

June 25th – 29th 2012

August 13th – 17th 2012

Clicca qui per vedere il video incorporato.

The Sketchbook and Landscape Workshop has been conceived for those students who wish to discover (or rediscover) in a week the poetry and the magic of Florence, with its renaissance buildings and its skyline dominated by the enthralling cathedral dome, as well as the relaxing atmosphere of the Tuscan countryside, with its vineyards and olive groves. The aim of the course is to help the student to create a sketchbook with unforgettable memories of the historic city and its pastoral surroundings.

The course can be recommended both to Art novices and to experienced artists and professionals who intend to familiarize with the freehand drawing as well as with the perspective sketch. During outdoor sessions students will learn how to draw and paint landscapes and architectural elements, such as squares, medieval towers, churches and narrow streets. The following techniques can be chosen: pencil, water colour, oil painting and pastel. Practice will concentrate mainly on the use of colour and on the perspective method.

The workshop has a duration of 5 days, Monday to Friday, for a total amount of 32 hours of tuition, and it includes a one-day excursion by private bus in the countryside of the Chianti hills.

More summer workshops 2012, infos, detailed informations for enrolments and lot more on AdG webpage.

More pictures from the Sketchbook and Landscape course are here and here.

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Un evento raffinato e curato in ogni dettaglio, che coinvolge il visitatore a 360°, grazie ad un sapiente uso dei media: da installazioni sonore distribuite lungo il percorso, alla proiezione di estratti video acutamente cadenzati; il tutto attraverso un gioco di luci ed ombre che non affatica l’occhio, ma anzi mantiene attiva l’attenzione del visitatore, pronto ai nuovi stimoli che questa mostra elargisce generosamente.

Puro piacere, da concedersi entro il 9 Aprile 2012, visto la proroga della mostra, per godersi la produzione di un genio italiano dell’eros nel cuore della Toscana.

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Ivano ha introdotto la sua presentazione eseguendo una performance nelle sale adiacenti all’auditorium: ha srotolato un lungo foglio di carta e, inginocchiato a terra, circondato dagli spettatori e accompagnato da un rombo sordo che usciva dall’impianto stereo, con il carboncino ha disegnato il tracciato di un sisma. La terra trema è il nome del suo progetto, legato alla memoria sociale di quanti hanno vissuto il dramma dei bombardamenti in prima persona e dedicato a coloro che non vogliono dimenticare. Un’iniziativa democratica ed aperta, a cui tutti possono prendere parte.

S. M. Ivano, è stato un piacere conoscerti e partecipare alla tua serata per “Artisti a km 0”; potresti raccontarci il tuo “incontro” con l’arte e, in particolare, quando è nato il progetto “La terra trema”?

I. C. Il mio percorso artistico non è stato canonico: liceo artistico, accademia, gallerie d’arte. No, l’incontro con l’arte è avvenuto senza progettarlo e in questo, molto coerentemente con la mia storia personale. Certo, determinante è stato l’incontro all’università con Gianni Pettena e le sue lezioni di radical design e architettura radicale. Diciamo che l’architettura ai tempi dell’università è stato il mio primo approccio con l’arte. Poi però la professione mi ha deluso, mi sono sentito tradito: perché quelli che mi erano stati presentati come valori, nella pratica professionale venivano considerate velleità, diventavano impicci? Non mi si chiedeva di fare l’architetto, ma il tecnico e controvoglia l’ho fatto per quasi dieci anni; in questo periodo, però è nata in me la voglia di riscatto, il desiderio di uscire dalle regole, dalle norme e dalla grigia burocrazia. E come mi sono sentito libero con l’arte! Sì, penso che la mia voglia di fare arte sia voglia di libertà.

S. M. Durante l’incontro al Museo Pecci hai illustrato alcuni dei tuoi progetti e hai consegnato ai presenti un adesivo con il logo di una delle tue iniziative: ci chiami ad essere partecipi? Se sì, come ci chiedi di operare? Come possiamo seguirti?

I. C. Uno lo conosci già, è La terra trema. La serata al Pecci è stata un momento importante di grande soddisfazione personale ma, conoscendo bene la mia pigrizia, ho paura di non saper cavalcare bene l’ondata di possibilità che si apre, di non saper sfruttare il momento favorevole per promuovere una serie di interventi che amplierebbero i pezzi del puzzle della memoria. Sì, mi aspetto che molti amici partecipino al ciclo La terra trema e rinnovo l’invito a scrivermi (ivanocappelli.art |at| gmail.com) per programmare insieme gli interventi nelle città dei vostri viaggi. Sempre nel sito, spiego come realizzare gli interventi di street art. L’altro grande progetto, Segmenti di Linea Gotica, è davvero imponente. Mi entusiasma e preoccupa al tempo stesso. Ho realizzato soltanto il primo intervento, SEGMENTO UNO, ma perché abbia senso il progetto, dovrei intraprendere un vero e proprio viaggio della Memoria dal Tirreno all’Adriatico, forse a piedi e per alcune settimane, programmando le tappe, i punti di ristoro, la logistica per gli spostamenti miei e dei materiali per le performance. Sento che, se mai riuscirò a realizzarlo, sarà il lavoro più importante di tutta la mia vita. Vorrei essere ricordato per questo.

S. M. Quali altri progetti si affacciano nel tuo futuro artistico?

I. C. Quali progetti nel mio futuro?! Beh, diciamo che dei tre progetti, Dov’è l’uomo? è quello più compiuto: l’aver collocato la scultura nel lager di Ebensee ha rappresentato per me un traguardo considerevole. Mi emoziona pensare che nel campo di concentramento dove tanti pratesi morirono, ci sia una scultura di un pratese. Sono rispettosamente orgoglioso di questo. Diciamo che forse potrebbe proseguire il viaggio dell’installazione multimediale che aveva preceduto la scultura, ma per il momento punto più a far crescere gli altri due progetti.

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La terza artista presentata dal Museo Pecci in collaborazione con AParte per “Artisti a km 0” è stata Beatrice Gallori. Aretina di nascita, ma pratese d’adozione, l’artista ha introdotto se stessa con un incisivo show reel delle sue opere e mostrandone alcune sul palco dell’auditorium del museo. Dotata di un’energia ed un carisma senza pari, ha parlato di com’è approdata all’arte partendo da un “mondo” molto vicino alla stessa, ovvero la moda. I tratti salienti che si evincono dalle sue opere sono l’interesse per il movimento, il colore ed il rapporto viscerale con i materiali su cui interviene, siano resine o vernici. Ecco l’intervista con l’artista.

S.M. Beatrice, leggendo i tuoi cenni biografici si evince una pulsione istintiva per ciò che riguarda la creatività e l’originalità; ma quando hai capito che l’arte sarebbe stata il tuo“medium” espressivo? Il fattore scatente può essere legato ad un evento specifico?

B. G. Ritengo che essere artisti non nasca in un determinato momento della vita, ma che ci sia dentro la persona da sempre. Sicuramente io mi sono avvicinata all’arte prima attraverso la moda, poi piano piano sono arrivata alla pittura nel momento in cui quello che facevo non mi bastava più, per trovare, appunto, quelle risposte che qui non avevo.

S.M. Partendo dal riutilizzo di ciò che ti circondava, passando attraverso la monocromia, fino ad appordare alle tue ultime installazioni, come si è evoluto il tuo modo di fare arte ed il tuo mondo “artistico”? Chi sono le piccole “presenze” nelle tue “colate”?

B. G. Il mio modo di fare arte è passato attraverso varie fasi, ma ritengo che sia un percorso che nasce da dentro che si evolve e che maturi via via con il tempo… non si può arrivare alla monocromia se prima non si conoscono i colori, si arriva alla purezza solo se si è passato il caos. È come se avessi fatto una pulizia totale trovandomi sola con le mie emozioni. Per quanto riguarda le mie ultime installazioni vale la stessa regola: arrivi ad un punto e non ti basta più la tela, hai bisogno di sperimentare la terza dimensione, di far nascere completamente l’opera dalle tue mani senza supporto alcuno. Chi conosce le mie opere sa che sono monocrome e che l’unica presenza è il movimento eccetto che per le “colate” dove a volte si trovano piccole presenze umane e non. Sicuramente non posso completamente slegare la mia persona da questo mondo: noi ci siamo con le nostre debolezze ed i nostri profondi bisogni materiali.

S.M. Durante l’incontro svoltosi al Museo Pecci, hai puntualizzato che la tua ricerca verte sul movimento e sul rappresentare “fermi immagine” dello stesso: questo procedimento può riflettere un tuo bisogno di canalizzare la tua stessa energia vitale, che si è mostrata ai presenti nella sua vivacità e dirompenza?

B. G. Direi di sì!!! Quei movimenti che allo spettatore arrivano in modi diversi, rappresentando movimenti diversi per me che lavoro in maniera viscerale, rappresentano anche le mie energie. Ma vorrei sottolineare che se sono sulla tela hanno già passato diverse fasi. Mi spiego meglio: io sento, vivo e gestisco, solo dopo lavoro: se non facessi così non avrei un fermo immagine, ma la natura dirompente e la materia straripante, non un movimento gestito e canalizzato.

S.M. Esprimendoti molto attraverso i monocromi, quali sono i colori che prediligi e che valenza hanno per te?

B. G. Sicuramente i colori primari con la prevalenza del bianco, rosso e nero.

S.M. Dalla bidimensionalità alla terza dimensione: cos’ha in serbo Beatrice Gallori per il futuro?

B. G. Sono convinta che un artista è tale se ha sete e se non si ferma. Continuerò quindi la mia ricerca e lo studio dei movimenti. La vita è un fluire continuo ed infinito e quindi la mia strada è ancora lunga.

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Alcune foto scattate a novembre durante i corsi di disegno e pittura che si tengono presso l’Accademia del Giglio.

Art class

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Art class

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Art class

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Tempera painting

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Drawing David

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Pittore dal tratto essenziale, ma estremamente identificativo, Duccio Mantellassi ha condiviso la sua idea e visione dell’arte, nonché le sue “visioni” personali ed il modo di percepire la realtà che lo circonda, rendendo possibile a chi ha avuto il piacere di presenziare di “invadere innocentemente” il mondo di quest’artista e portare, anche solo per poco, quelle “lenti” proprie di quest’affascinante creativo.

Davanti ad un buon caffè ha risposto ad alcune domande per fissare dei punti sulla sua poetica, sulle influenze e sul perché fare arte.

S. M. Duccio, parlaci un po’ di te, perché hai scelto di misurarti con la pittura e che percorso hai scelto per arrivare a lei.

D. M. Da piccolo disegnare era il mio passatempo preferito, ciò che mi divertiva di più a discapito dei classici giochi che occupano il tempo dei bimbi. Crescendo mi sono appassionato al mondo dei soldatini di piombo, una possibilità per ricreare quel mondo fantastico che stava alla base delle mie letture e del mio immaginario, grazie a Tolkien. Così ho iniziato a dipingere con gli acrilici miniature di elfi, gnomi, guerrieri, creature mitologiche; ma ad un certo punto tutto questo non mi bastava più. Volevo fare qualcosa che fosse sempre e solo mio, dall’inizio alla fine e scolpire ha sedato per un po’ questo mio desiderio. Desiderio che si è appagato solo con la pittura su tela, visto che è la tecnica più nelle mie corde, anche se la mia ricerca ultimamente verte su altre tecniche, come l’incisione su rame e l’acquarello.

S. M. I soggetti della tua produzione pittorica sono in prevalenza ritratti; come mai questa scelta e come scegli i soggetti rappresentati?

D. M. Il volto esprime meglio chi sei, perché è lo specchio della tua vita e del tuo stato d’animo, ma anche delle tue aspirazioni, di ciò che vorresti essere. I soggetti ritratti sono amici, conoscenti, ma anche perfetti sconosciuti che si fissano nella mia mente per un particolare e nella loro rappresentazione vado a mettere in risalto ciò che ha suscitato il mio interesse. Ho la piena libertà nello scegliere il soggetto e nell’evidenziare o meno i suoi caratteri identificativi, trasponendo così la mia immagine personale su tela.

S. M. Il tuo stile essenziale, ma perfettamente riconoscibile e completo, come si è evoluto nel tempo ed a chi o cosa ti sei ispirato? Come sono cambiati i tuoi riferimenti artistici durante la tua vita?

D. M. Nella mia produzione si possono distinguere due filoni: quello “fumettistico”, che vuole rendere omaggio ad alcuni grandi, tra i quali Miller e Hewlett e quello “sottrattivo”, dove elido volontariamente degli elementi del volto a favore di quelli che lo rendono unico ed interessante per la mia visione. Il mio tratto mutua tanto dall‘illustrazione, quanto dalla grafica pubblicitaria e dalla ricerca di alcuni grandi della pittura, come Modigliani, Schiele o Klimt; questo perché non sento il ritratto iperrealistico in linea con il mio “fare arte”, ma condivido la scelta di questi artisti di sviluppare un loro stile e caratterizzarlo, in modo da renderlo inconfondibile. Per quanto riguarda il mondo del fumetto, da piccolo ero affascinato dai disegni di Franquin e Froideval; poi mi sono avvicinato al mondo di Stano, di Otomo, di Toriama, del già citato Miller e di Buscema. Sono partito dal mondo franco-belga, perché era quello che trovavo in casa: la loro cura per le tavole, per il formato, per i colori ne fanno dei fumetti “da adulti”, anche se i loro soggetti popolano la fantasia dei bimbi (Asterix, Lucky Luke, Tin Tin, I Puffi).

S. M. L’anno in corso ti ha visto occupato in maniera a dir poco frenetica in mostre personali, collettive, eventi eterogenei. Il tutto è stato suggellato dalla tua presentazione “a Km 0” ; cos’è stata la miccia che ha innescato questo meccanismo?

D. M. Tutto nasce dal primo ritratto di “Innocenti Invasioni”, ovvero “Matiocchi – Il maglione blu”; la realizzazione coincide con una data significativa per la mia storia e sento nascere il bisogno incontrollabile di dipingere il volto di quella mia amica, che ho sempre associato con quel pullover blu, ma che non ha mai indossato in nessuna foto in mio possesso. Inizia così la serie che verrà presentata ad aprile alla galleria “Asterisco” di Prato, grazie anche alla cura ed ai consigli di Fabrizia, Monia Nannini e Alessandro Carretti. Con quel nucleo originario di 20 ritratti si creano i presupposti e le conoscenze per tutto ciò che ne seguirà.

S. M. La tua presentazione al Pecci ha fatto intuire qualcosa di te, del tuo mondo e di ciò che popola la tua fantasia; ma ad un certo punto si è percepito un momento di stasi, di vuoto. Puoi dirci qualcosa di più a riguardo?

D. M. La selezione dei testi è stata fatta insieme a Fabrizia Bettazzi e Francesca Sarteanesi, che hanno contribuito con un loro scritto relativo alla serata. Ho citato i Doors, i Beatles, Pirandello, Warhol e Svevo, alcuni degli artisti ed intellettuali che sento vicino in questo momento. Lo showreel che è stato proiettato durante l’incontro, ha descritto visivamente alcune delle mie passioni ed opere. Il momento di stasi che dici di aver percepito rispecchia l’assenza dell’arte in un certo periodo della mia vita: per circa dieci anni la pittura non ha più fatto parte del mio quotidiano, non perché fosse stata una scelta cosciente, ma era come se dovessi attingere altre, nuove informazioni ed ispirazioni. E penso che così sia stato.

S. M. Pirandello, “Uno, nessuno e centomila”, ed il tuo naso: ti piace autoritrarti. È per questo che hai affermato: “Siamo noi stessi coloro che conosciamo meglio”?

D. M. Ho sempre avuto un buon rapporto col mio volto e ciò che vedo riflesso nello specchio mi piace. La citazione da: “Uno, nessuno e centomila” l’ho scelta perché mi rispecchia, a modo mio, ovvero sento di avere un animo multiforme, anche se definito nelle sue linee guida, ma quelle sfumature e chiaroscuri presenti mi permettono di adattarmi alle situazioni più disparate ed alle compagnie più eterogenee. Inoltre credo che sia proprio di ognuno il desiderio sia di vedere senza esser visti, che il bisogno di mostrarsi per affermare il proprio ego e la propria unicità. Ponendomi queste domande costantemente, penso che sì, siamo le persone che conosciamo meglio, rispetto anche ai nostri affetti più cari, perché siamo sempre noi il fine anche quando ci confrontiamo con gli altri. Lo facciamo, ma per conoscere meglio quegli “strangers” che popolano il nostro intimo.

Un estratto video dell’evento (grazie alla concessione di Scheda)

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From December 12th to 16th 2011 Accademia del Giglio, (Art school in the heart of Florence, Italy) is organizing a seminar on Portrait and Self-portrait techniques. This workshop will take place in our institute and will have a duration of 5 days, from Monday to Friday, for a total amount of 30 hours of tuition.

This course is mainly an intensive study of the physiognomy. Through making rapid strokes in pencil (or charcoal) students will learn how to portray the essential features of a human face, and through more elaborate drawings they will focus on details, on theeffect of light and shade (“the chiaroscuro”), as well as on the psychological value of facial expression.

Colour techniques will be then taught by using either pastel or oil or also acrylic. Students will acquire good skills and abilities for painting the shades of complexion, the position of hands and the glittering of the eyes, which most of the great artists used to consider the “soul’s mirror”.

Part of the workshop can also be dedicated to the self-portrait.

The workshop is meant not only for capable students who wish to improve their style and their creativeness, but also for those people whose aim is to discover the fundamentals of the portrait and its secrets. That is why most of the time during classes every student will be tutored individually.

Two life models and copies of classical portraits will be available throughout the workshop.

The seminar is taught both in Italian and in English.

For enrolments and more detailed information about our Drawing and Painting Seminars and courses in Florence, please visit our webpage or contact the admission office at adg.assistance(@)gmail.com.

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